domingo, 19 de diciembre de 2010

Según señala Cárdenas (1999: 115), el movimiento es uno de los recursos expresivos más importantes en la dirección teatral. 

Todas estas reglas se rompen con mucha frecuencia, pero hay que conocerlas y tener siempre buenas razones para romperlas.

1. Un personaje no se debe mover mientras otro está hablando.

2. Los movimientos deben ser limpios, realizados con sencillez, precisión y completos. 

3. Los cruces se hacen por delante del otro actor. (Hay muchas excepciones: Personajes muy secundarios, situaciones especiales: huida, etc.).

4. Los movimientos deben ser, con preferencia, ligeramente curvos. Facilita controlar la posición del cuerpo al terminar el movimiento. 

5. Se debe iniciar el movimiento con el pie que está más cerca del sitio al cual se dirige el actor.

6. Un personaje que va a hacer mutis, debe tratar de decir sus últimas líneas lo más cerca posible del lugar por donde se va.

7. Dos personajes no deben moverse al mismo tiempo y mucho menos si es en la misma dirección o en direcciones exactamente opuestas. 

-Sin embargo, esta regla se viola deliberadamente en la comedia para conseguir efectos cómicos.

-Si dos personajes tiene que moverse al mismo tiempo, debe buscarse la manera de que lleven caminos distintos y velocidades distintas.

El autor Cárdenas (1999: 113) también distingue entre movimientos fuertes y débiles

Movimiento fuerte: 
- Un personaje se mueve de 5 a 2.
- Un personaje viene de cualquier área al frente centro.
- Un personaje se muevo de 6 a 4.
- Un personaje de perfil se vuelve de frente.
- Un personaje de espaldas se vuelve tres cuartos de frente.
- Un personaje se levanta de una butaca.
- Un personaje sube un escalón.

Movimiento débil: 
- Un personaje se mueve de 2 a 5.
- Un personaje se mueve de 4 a 6.
- Un personaje de frente se vuelve de perfil.
- Un personaje de tres cuartos de frente se vuelve de espaldas.
- Un personaje se sienta en una butaca.
- Un personaje baja un escalón.




Movimiento y texto 
1. Por regla general, el movimiento debe hacerse simultáneamente con la emisión del texto.
2. Un texto puede convertirse en fuerte o débil según se le monte un movimiento fuerte o débil.
Ejemplo: ‘Sí, que guapa, estás.
-Con movimiento fuerte: el personaje dice la verdad.
-Con movimiento débil: Es mentira el texto. El personaje miente y opina lo contrario.
3. La inversión de estás reglas es frecuente en la comedia y en la farsa para conseguir efectos cómicos: 

Ejemplo: ‘Te voy a romper la cabeza.’ (Texto fuerte, con movimiento débil se contradice su fuerza y lo convierte en lo contrario.)






sábado, 11 de diciembre de 2010

Por Ana Guri Vega.
Alumna de 1º de ESO, del grupo de teatro "El Telón"

La improvisación teatral es un arma de expresión y recuperación de la creatividad que llevamos dentro. Muchas veces nos sirve para cuando hay un desperfecto en el escenario, en la música o en los personajes, saber seguir con la obra sin pararla y sin que se note. Para eso, antes de empezar con la obra, se hacen unos ejercicios de improvisación.

Es muy importante para el teatro que aprendas a improvisar, ya que de este modo el público no notará las imperfecciones. Puede pasar desde el mínimo detalle hasta algo que se podría notar mucho.

Una vez, en una obra, había unos tablones de madera para hacer una idea de escenario, y un tablón se cayó de repente. En estos momentos no sabes que hacer; ese es el truco de saber improvisar bien.



Vídeo de una improvisación. Tema: "Los controladores aéreos"

Fotos:

domingo, 5 de diciembre de 2010

Como es habitual en el mes diciembre, comienza la oleada de musicales y espectáculos familiares para que podáis disfrutar durante la Navidad. Aquí señalamos algunos de los espectáculos que podréis encontrar en Madrid.


“Peter Pan, el musical” en el Nuevo Teatro Alcalá

El Nuevo Teatro Alcalá acoge, desde el 5 de noviembre y hasta el 5 de enero, el musical de Peter Pan. Tras diez años cosechando éxitos tanto en nuestro país como en México, y habiéndose representado en el Garrick Theatre de Londres, llega de nuevo a Madrid el niño que no quería crecer.

Peter Pan vive fantásticas aventuras junto a los niños perdidos en el País de Nunca Jamás, donde juegan con sirenas, bailan con los indios y luchan contra piratas. A pesar de ello, sienten la necesidad de tener una madre que les cuide. Por eso Peter (Silvia Villau) va todas las noches a escuchar los cuentos de Wendy Darling (Andrea Rodríguez) desde la ventana de su cuarto. Ella y sus hermanos le acompañarán al País de Nunca Jamás, el sitio donde los sueños se hacen realidad.

Gira Navidad “Disney Live! Mickey’s Music Festival” en Palacio Municipal de Congresos (Madrid)

¡Ya están todos aquí! Aladdín, La Sirenita, Buzz Lightyear, Woody y, por supuesto, el ratón más famoso del mundo: Mickey. El evento que estabas esperando llega en otoño a España. “Disney Live! Mickey´s Music Festival!” es una colosal producción repleta de canciones remezcladas con ritmos actuales de hip hop, pop, swing, reggae, rock, country, etc.

Pasaréis un día que difícilmente se borrará de vuestra memoria, ya que podréis tener delante de vuestros ojos a muy pocos metros a vuestro personajes favoritos. Juegos, bailes, risas… Una experiencia donde la ilusión es la reina indiscutible.¡Deja que la magia de Disney envuelva el ambiente!

Donde: Palacio Municipal de Congresos (Madrid). Desde el 17 de dic de 2010 hasta: 09 de ene de 2011

Llega "Aqualia", la aventura submarina.

En el Teatro Lara de Madrid podréis ver "Aqualia", una obra para todos los públicos inspirada en el mundo submarino, donde distintos animales marinos se ven envueltos en la aventura de salvar a un náufrago. El espectáculo esta elaborado con la técnica de "luz negra" para crear el efecto en los personajes de "flotar y nadar bajo el agua".

El espectáculo esta producido por Krash, una compañía de origen colombiano con mas de 15 años en escena, que realiza diferentes espectáculos basados en la magia de la "luz negra". Ahora llegan a Madrid con Aqualia, obra para todos los públicos que divierte y enseña. Es una experiencia donde la magia del teatro negro, la música, los colores y los personajes se conjugan para producir emociones, conmover, divertir y hacer reflexionar a toda la familia sobre el futuro de nuestros océanos.

Donde: Teatro Lara. Desde el 4 de diciembre al 15 de enero.

Más información y espectáculos en http://www.todosalteatro.com

viernes, 3 de diciembre de 2010

Por Clara Menéndez.
Alumna de 2º ESO. Actriz que interpretó el personaje de El Marqués en la obra La Posadera (2010).




Pues bien, en las clases de teatro del Colegio Los Sauces realizamos obras de épocas antiguas muy preparadas por nuestro querido profesor Antonio Lavado. Este año, los alumnos del grupo "El Telón" estamos trabajando en la obra llamada "El Avaro", una comedia escrita por Molière que habla del dinero y el amor. En la obra, yo realizo el papel de Maese Santiago (cocinero y cochero) y La Flecha (lacayo). En mi opinión, la obra es muy divertida y espero que le guste mucho al público cuando sea representada.


miércoles, 24 de noviembre de 2010

Ya sabemos cuales son las obras que este año representarán los alumnos de teatro. Una de ellas es El Avaro, de Moliere, que la representarán los alumnos del grupo “El Telón” formado por Marta Menéndez  (3º ESO), Roberto García  (2º ESO),  Enrique Gil   (3º ESO), Paula Orcoyen  (2º ESO), Clara Menéndez   (2º ESO), Inés Rodrigo (2º ESO) y Ana Guri  (1º ESO).  El titulo del libro se refiere a las características de Harpagón, el protagonista, que es sumamente tacaño y vive dominado por su codicia. 

El grupo “Tres Cuartos”, formado por Daniel Sánchez (3º ESO), Sandra Hall (3º ESO), Miranda Jagels  (4º ESO), Paula Sánchez   (2º ESO), Marilia Martins-Soares  (2º ESO), Noelia Ruiz  (1º ESO) y María García  (1º ESO), representarán una obra de Carlos Arniches, La venganza de la Petra: Manolo y Petra son un matrimonio lleno de problemas. Él es un vividor que descuida por completo la atención a su esposa. Ésta decide tramar su venganza, con el objetivo último de recuperar a su esposo. Para ello su padre Nicomedes, su madre Nicanora y su criada Eudoxia colaborarán con ella.

Se pueden ver algunos vídeos de estas obras en nuestro canal de Youtube.

También podéis ver el vídeo de El Avaro realizado por Estudio 1 (Rtve):

jueves, 18 de noviembre de 2010

Por Ana Guri Vega
Alumna de 1 de ESO, del grupo de teatro "El Telón"


A mí me gusta mucho el teatro, esa es una de las razones por la que me apunté a teatro. No sólo me gusta sino que también es una forma de quitar esa vergüenza que todos a veces tenemos.


Hace un tiempo fui a ver una obra de teatro llamada "Glow". A mí me pareció genial, el escenario era todo negro y lo único que se veía eran a los personajes que iban con ropa fluorescente. También, a veces, el escenario cambiaba de plano y en vez de verse de frente se veía desde arriba. Este es mi primer curso en teatro, pero me ha merecido la pena. No voy con nadie de mi curso, sólo voy con gente mayor, pero eso, por parte, es lo bueno porque hago nuevos amigos y aun así me lo estoy pasando genial... y me estoy quitando la vergüenza.



miércoles, 17 de noviembre de 2010

Por Enrique Gil.
Alumno de 3º ESO. Actor que interpretó el personaje de Fabricio en la obra La Posadera (2010).

En el cine, la cámara sigue a los personajes. Esto permite ver lo importante de la escena. Pero si ves teatro, tú ves todo lo que ocurre en la escena.

¿Cómo distinguir la importancia que toma un personaje en la escena?

Bien, eso tiene fácil solución. Se ha comprobado que la colocación de un personaje en un determinado lugar del escenario vale mucho más que una buena interpretación.

El escenario se dividiría en 6 trozos, de esta forma:



El cuadro 1 es el de más importancia, y el 6 es el de menos importancia.

Aparte de eso, nuestro profesor siempre nos dice: "Tres cuartos. El público tiene que ver vuestra expresión en la cara". Con razón uno de nuestros grupos se llama "Tres Cuartos
".

lunes, 15 de noviembre de 2010

Los Miserables cuenta las historias del convicto en libertad condicional Jean Valjean quien, al no encontrar un trabajo honesto por culpa del papel que lo acredita como ex convicto, cambia su identidad para volver a vivir su vida; del inspector de policía Javert, que se obsesiona con encontrar a Valjean; de Fantine, la madre soltera de Cosette, que es forzada a convertirse en prostituta para mantener a su hija; de Marius, un estudiante francés que se enamora de la hija adoptada de Valjean, Cosette; Eponine, la joven hija de los Thénardiers que se enamora de Marius; los Thénardiers, que son dueños de una posada y explotan a sus clientes, y Enjolras y los otros estudiantes, que trabajan en la liberación de la oprimida clase baja de Francia.

Se trata de una novela que permite al lector acercarse a la historia de la Francia contemporánea a Victor Hugo, incluyendo directa o indirectamente varias partes de ésta, como la Revolución francesa de 1789. Cabe destacar igualmente su análisis de instrumentos, acontecimientos y estereotipos de los sucesos históricos mencionados, así como de antiguos dirigentes de la Convención, los emigrados e incluso de la guillotina. Víctor Hugo mantuvo a lo largo de toda su vida, también en Los miserables, una firme oposición a la pena de muerte y la obra es considerada como una defensa de los oprimidos en cualquier tiempo y lugar.
Estreno del musical: 18 de noviembre. Teatro Lope de Vega (C/ Gran Via, Madrid). Más información en http://www.losmiserables.es

lunes, 25 de octubre de 2010

Visitando la web del Centro Dramático Nacional, he encontrado un vídeo que a muchos de mis alumnos les recuerde mi insistencia y perseverancia a la hora de calentar la voz.

Como bien señala Fuensanta Muñoz (2010), la voz es un instrumento de trabajo fundamental para el actor o la actriz. En la mayoría de los espectáculos y representaciones teatrales tendrá que utilizar la voz como medio de expresión, trabajando su interpretación sobre un texto. Puede darse el caso de que su voz no sea necesaria en una interpretación, como es el caso del mimo o de interpretaciones sólo gestuales, tal como ocurría en el cine mudo, pero también el caso contrario, que sea su voz la que realice una interpretación completa, como el caso de los actores de doblaje en el cine o el trabajo en la radio, en el teatro leído o en un recital poético. En cualquier caso, la voz es un instrumento de trabajo básico para un actor. Su calidad y sus cualidades deben ser cuidadas y cultivadas continuamente. El buen actor debe tener las técnicas precisas para no forzar nunca su voz y sacar el máximo rendimiento expresivo de ella (léase artículoen Artes Escénica Blog).

El vídeo adjunto forma parte de los ensayos de la obra El Avaro(Molière), protagonizada por Juan Luis Galiardo. También añado un fragmento donde el director Jorge Lavelli perfila algunos detalles a sus actores.







sábado, 16 de octubre de 2010

No sabemos si la llegada de Avatar (James Cameron, 2009) va a suponer el final de los actores, o no. Lo que si sabemos es que la tecnología ayudará a muchos actores a ahorrarse horas de trabajo perfeccionando la interpretación de sus personajes.

El sistema utilizado en Avatar para dirigir a sus actores permite cambiar por ordenador una mirada, un gesto y/o una lágrima. Con este avance, probablemente desaparezca el famoso método de Stanislavski empleado por muchos actores.

Hace años, algunos expertos ya comentaron el tema de que el futuro de los actores estaba cada vez más cuestionado, y no estaban muy equivocados.

Cameron ha demostrado que no necesita dirigir actores sino a diseñadores informáticos. Dentro de poco, las escuelas de interpretación tendrán que añadir una asignatura donde el actor o actriz aprenda a moverse en medio de un croma cargado de cables y sensores. O quizás, estas escuelas tengan que enseñar a interpretar a los diseñadores informáticos para que sepan dotar de sentimientos a sus “bichos digitales”.

En fin, los actores y actrices no desaparecerán mientras permanezca laesencia del teatro, aunque en algunas obras la tecnología se lleve parte del protagonismo.



jueves, 9 de septiembre de 2010

No lo había visto hasta ahora. Un amigo de Facebook anotó en su muro un enlace a un vídeo que no tiene desperdicio. Se trata del casting que hizo Marlon Brando para la película Rebelde sin causa (Nicholas Ray, 1955). No fue seleccionado, pero se dejó ver su arte y talento. Con sólo 23 años Brando se mueve delante de la cámara como si hubiera llevado toda la vida. Es bueno hasta dando los perfiles, cosa que a muchos actores, e incluso profesionales, les cuestan.

Ralizando una búsqueda biográfica he sabido que fue su madre quien despertó el interés del niño por la interpretación. Brando tuvo desde pequeño el don de observar a la gente e imitar sus gestos, lo cual hacía llevándolos al extremo.

Fue rebelde desde la niñez. Con dieciséis años ingreso, en contra de su voluntad, en la Shattuck Military Academy de Fairbult, Minnesota, donde lejos de «enderezarse», fue expulsado dos años después por insubordinación. Obligado, entonces, a trabajar en lo que fuera, fue albañil y conductor de excavadoras mientras sus hermanas se independizaban y partían a Nueva York para probar suerte en el teatro. A comienzos de 1943 se fue a vivir con su hermana Joselyn con el mismo objetivo. Estudió interpretación, primero, en la New School y, después, en el famoso Actor’s Studio. Mientras esperaba su oportunidad tuvo que encadenar una sucesión de trabajos eventuales para ganarse la vida: vendedor de refrescos, lavaplatos, botones, ascensorista en unos grandes almacenes, etc.

Pero fue en el teatro donde, interpretando una decena de obras entre 1944 y 1947 (Molière, Shakespeare, Ben Hetch, Cocteau, Bernard Shaw…) fogueó su talento, y le bastaron dos frases para convencer a Tennessee Williams de que se hallaba ante el intérprete ideal para encarnar por primera vez al Stanley Kowalski de Un tranvía llamado Deseo. Con el beneplácito del dramaturgo y la dirección de Elia Kazan, Brando fue un Kowalski nunca superado, y de la noche a la mañana consiguió que todo Broadway hablara de él.

Fuente: Biografiasyvidas.com


lunes, 31 de mayo de 2010


Ayer realizamos nuestra última representación de Celos del Aire en la Parroquia Nuestra Señora de la Misericordia, en el distrito madrileño de Puente de Vallecas. El éxito fue rotundo, tanto por la asistencia de público como por la acogida y cariño que nos mostraron; hecho que se vio reflejado en la excelente interpretación de los alumnos y alumnas del Colegio Los Sauces de La Moraleja. En todo momento disfrutaron de la obra y lo dieron, como siempre, todo.
Esta vez, como el año pasado, contribuimos doblemente. Por un lado, hicimos disfrutar a un público que respondió, en todo momento, con sus risas y aplausos. Y por otro, colaboramos conCáritas, ya que gracias a la venta de entradas, a un precio simbólico, se pudo recaudar algunos euros para ayudar a alguna familia.
Finalizada la representación, los vecinos de Vallecas llegaron a emocionarnos, agradeciéndonos, con efusivos aplausos y ramos de flores, nuestra actuación. Desde aquí, un millón de gracias.
Una vez más, el teatro ha demostrado que sirve para mucho. Para disfrutar nosotros mismos, para hacer disfrutar a otros, y para aportar nuestro pequeño grano de arena a esas personas que hoy, más que nunca, necesitan nuestra caridad y apoyo.

domingo, 23 de mayo de 2010

Mañana abrimos la semana cultural del Colegio Los Sauces de Torrelodones, con la obra de teatro “Celos del Aire”, representada por el grupo “Tres Cuartos”. Tras meses de preparación, mañana es el día para que los alumnos, padres, profesores y todos los que quieran puedan disfrutar del talento y esfuerzo de un grupo de jóvenes actores dispuestos a darlo todo. Una obra que nada parece a una obra de colegio o instituto: no veremos a chicos vestidos de mariposas, de margaritas ni de árboles recitando una poesía. La obra está trabajada para que puedan disfrutar tanto jóvenes como adultos. Una obra representada por alumnos y alumnas, de secundaria y bachillerato, a los que muchos actores profesionales quisieran llegar a la capacidad interpretativa de estos chicos, que para alguno de ellos, es la primera vez que se va a subir a las tablas.

viernes, 21 de mayo de 2010


Los alumnos del grupo de teatro “El Telón“, los chicos y chicas que dan vida a los personajes de la obra “La Posadera”, varias semanas antes del estreno en Vigo, me preguntaron sobre el vestuario:“Vamos a ir de época o con ropa actual”, me insistían algunos. Les comenté que me gustaría que fueran de época: “¿Y cómo iban vestidos en esa época?“, preguntaron.
Para ilustrarles cómo vestían en el siglo XVIII, eché mano del famoso Google Imágenes, que para estos casos ayuda bastante. Con esta herramienta recopilé aquellas fotografías que ayudarían a los alumnos a tener una visión, no sólo de la indumentaria, sino también del ambiente de la época.
Con aquellas imágenes que consideré interesantes, elaboré la siguiente PowerPoint y les pasé fotocopias de ellas. Con estas fotos y la imaginación de los alumnos, y la de sus padres y familiares, también hay que decirlo, se hicieron y compraron los trajes y pelucas que ayudan a ambientar la obra y facilitan su interpretación. Una labor entretenida, pero no fácil.
Debemos tener en cuenta que el vestuario es lo primero que el espectador va a percibir del personaje y, por tanto, le aporta información y le ayuda a intuir la forma de ser y de vivir, entre otras cosas, de estos seres ficticios.



miércoles, 12 de mayo de 2010

Ayer me confirmaron las fechas para las próximas representaciones de las obras La posadera y Celos del aire. Para la primera, el martes 25 de Mayo, por la mañana, en el teatro del Colegio Los Sauces de Torrelodones y el día siguiente, por la tarde, en el Centro Cultural Pablo Iglesias (Alcobendas); para la segunda, el lunes 24 en Torrelodones y el martes 25 en Alcobendas.

Desde hoy, hasta el próximo día 24, estaremos ensayando y perfeccionando las obras para que queden como se merecen. Para ello, los alumnos y alumnas pondrán todo su arte y talento encima de las tablas para que disfruten sus compañeros, familiares y todo el que quiera divertirse un rato. Perdérselas sería una pena.

Entrada: Con invitación

viernes, 7 de mayo de 2010

A veces no puedo imaginar como el teatro es capaz de asustarme, sorprenderme y entusiasmarme a la vez y en pocos segundos. Y es que el pasado martes estrenamos en Vigo la obra de teatro La Posadera (Carlo Goldoni), una obra, como ya comenté, que tuvimos que ensayar en pocas semanas. Pero al final, nuestro esfuerzo y entusiasmo han hecho que los alumnos del Colegio Los Sauces de Vigo pudieran disfrutar de nuestro trabajo, como nosotros de su acogida y recibimiento.

Mi sorpresa fue cuando observé que mis alumnos, conforme avanzaba la obra, disfrutaban y se metían en la historia como si de un sueño se tratara. En definitiva, los chicos y chicas de 1º, 2º y 3º de la E.S.O. se convirtieron en auténticos actores y actrices, y lo dieron todo.

Espero que se repita el mismo éxito con la otra obra que estoy dirigiendo, Celos del Aire de José López-Rubio, con los alumnos de 1º y 4º de la E.S.O. y 1º y 2º de Bachillerato. Una obra con un toque totalmente diferente a la de Goldoni, donde la interpretación de los alumnos tampoco nos deja indiferentes.

El 25 de Mayo estrenamos Celos del Aire en el teatro Pablo Iglesias de Alcobendas. Y al día siguiente, se representará La Posadera. En esa misma semana, también se podrá disfrutar de ambas obras en el teatro del Colegio Los Sauces de Torrelodones. No hay motivos para perdérselas.

Más en Literatura Blog.

sábado, 24 de abril de 2010

El próximo día 4 de Mayo, estrenamos la obra La Posadera(Carlo Goldoni) en Vigo. Una de la dos obras de teatro que este año estoy montando con los alumnos de 1º, 2º y 3º de la E.S.O. del Colegio Los Sauces (La Moraleja).

Hace menos de un mes, la dirección del colegio me comunicó que el grupo elegido para ir a representar a Vigo iba a ser, justamente, el de la obra menos preparada. Los motivos eran diversos: la preparación de un entremés para Navidad, las semanas de exámenes de Enero y Marzo, las vacaciones de Semana Santa y alguna que otra festividad. En fin, que nos quedaba pocos días de ensayos, y los chicos y chicas aún no se habían aprendido el texto. La cuestión era que nos teníamos que poner las pilas. Y así lo estamos haciendo. Ensayando los Miércoles y Viernes, una hora y media cada día, y los Sábados, tres horas.

Lo más interesante para mí, como director de esta obra, no es montar una obra de teatro a contrarreloj, sino que mi motivación ha hecho que los alumnos y alumnas pongan de su parte, y ha despertado en ellos sus deseos, sus ganas y sus esfuerzos para intentar sacar adelante una obra de una hora y media de duración. Y lo mejor de todo, es que lo están haciendo y, encima, lo están haciendo bien.

Seguramente, muchos actores y actrices profesionales no harían lo que estos chicos están haciendo por amor al arte: trabajar duro. Solamente por eso, se merecen lo mejor: ¡¡¡MUCHA MIERDA!!!

sábado, 6 de marzo de 2010

Este año, igual que el anterior, estoy inmerso en el montaje de dos obras de teatro con los chicos y chicas del Colegio Los Sauces. Una de estas obras se titula “Celos del aire” (1950) de José Luis López-Rubio

Aquí os expongo una pequeña biografía del autor:

José Luis López–Rubio y Herreros

Motril (Granada), 1903 – Madrid, 1996

Guionista y director de cine, periodista, comediógrafo y poeta de la Generación del 27. Al poco tiempo de nacer fue llevado a Granada, donde transcurrió su infancia. Ya desde niño comenzó a publicar sus textos en revistas y folletos escolares.

En 1915 se trasladó con su familia a Madrid, donde estudió Bachillerato en un colegio de frailes agustinos. Entre 1917 y 1919 vivió en Cuenca, donde su padre fue destinado como gobernador civil. De regreso a Madrid, cursó estudios de Derecho, conoció y entabló amistad con Enrique Jardiel Poncela (1901–1952) y trabajó en las revistas madrileñas Gutiérrez, Buen Humor, El Sol, Blanco y Negro etc.

Es autor de la novela surrealista Roque Six (1927), así como de otras piezas teatrales que escribió junto a Jardiel Poncela y Edgar Neville.

En 1930, con el nacimiento del cine sonoro, embarcó para América; su destino era Hollywood. Fue contratado por la Metro Goldwyn Mayer como adaptador y traductor de las versiones españolas de sus películas y, hasta 1935, por la Fox. En 1931 codirigió con el vienés Arthur Gregor La fruta amarga. Un año después rodó en solitario el cortometraje de animación Serenata (1932). En 1935 dirigió, junto al estadounidense Gordon Wiles, Rosa de Francia, cuyo coguionista fue Luis Fernández Ardavín.

Durante la Guerra Civil española vivió entre México y Cuba. En 1939 estrenó La malquerida, basada en la obra de Jacinto Benavente (1866–1954), y en 1940 regresó a España, donde trabajó en cine y teatro. Sus siguientes obras fílmicas son el cortometraje musical La Petenera(1941), la comedia Pepe Conde (1941), Rosa de África (1941), ambientada en la Guerra Civil española; el corto de género cómico A la lima y al limón (1942), Sucedió en Damasco (1943), adaptación de una zarzuela codirigida junto a Primo Zeglio; Luna de sangre (1944), de 23 minutos de duración; y el drama Eugenia de Montijo (1944). En 1946 estrenó la secuela El crimen de Pepe Conde. Su último trabajo como director fue el filme de género histórico Alhucemas (1948).

Reemprendió su actividad teatral en 1949 al estrenar Alberto. Pero de su obra teatral de posguerra destaca en especial Celos del aire(1950), por la que obtuvo el Premio Fastenrath de la Academia.Estrena sucesivamente Veinte y cuarenta (1951), Cena de Navidad(1951), Una madeja de lana azul celeste (1952), Estoy pensando en ti(1951), El remedio en la memoria (1952), La venda en los ojos (1954), La otra orilla (1955), El caballero de barajas (1956), La novia del espacio(1956), Un trono para Cristi (1956), Las manos son inocentes (1958),Diana está comunicando (1960), Esta noche tampoco (1961), Nunca es tarde (1964), La puerta del ángel (sin estrenar entonces, pero estrenada muchos años después en 1986), Al filo de lo imposible (título general de trece comedias escritas en 1970 para televisión), etc.

En 1954 recibió el Premio Nacional de Teatro y en 1982 ingresó en la Real Academia Española.

sábado, 20 de febrero de 2010


Hoy he empezado a montar la segunda obra, La posadera de Carlo Goldoni, con el grupo de teatro “El Telón”. En Navidad monté, con este mismo grupo, un entremés de Miguel de Cervantes, La guarda cuidadosa.
Los chicos y chicas, tras haber trabajado con ellos diversas improvisaciones sobre dicha obra, comienzan a animarse con el montaje. Además hoy nos han dado fechas para representar en Alcobendas: el 25 ó 26 de Mayo. Espero que nos dé tiempo de ensayar, y que todo salga bien.

viernes, 12 de febrero de 2010


El Colegio Los Sauces, desde su creación, ha considerado al teatro como un elemento fundamental en la formación integral de sus estudiantes. Muchos alumnos han participado en distintos montajes, pero también han sido muchos quienes han comenzado a formarse como nuevos espectadores.

Las clases de teatro están compuestas por dos grupos de alumnos, que con respeto y compromiso por las artes escénicas, se forman para ofrecer un teatro de calidad a uno y otro lado del telón.

Para la creación de los montajes teatrales se ensaya dos días por semana con cada grupo, que dan como resultado dos obras por año, con las que participan en los certámenes que organiza el Colegio en Pontevedra, Vigo, Torrelodones y Alcobendas.

La actividad de teatro es algo que el Colegio Los Sauces ha promocionado desde siempre y, cada curso, pone todo su interés para que los grupos de teatro funcionen. Para ello, el Colegio lo financia, íntegramente, tanto las clases como los traslados a los colegios de Torrelodones, Vigo o Pontevedra cuando participan en la "Semana Cultural de Danza y Teatro".


C/ Camino Ancho, 83
Urbanización La Moraleja 28109 Alcobendas (Madrid)
Tlfs.: 916 501 790 / 916 501 614 / 916 503 264


http://colegiolossauces.com/lamoraleja/




jueves, 11 de febrero de 2010




ABIERTA.- El personaje se sitúa cara al público y ofrece abiertamente toda la fuerza expresiva de sus sentimientos y emociones. Conveniente cuando detenta el protagonismo de la acción y es sumamente importante lo que dice y lo que siente. (Monólogos, discursos, arengas o descubrimientos. En esa posición ejerce una actitud dominante o de poder).


TRES CUARTOS.- De la posición abierta pasa a girar a un cuarto hacia su derecha si está a la derecha de las situaciones de sus interlocutores o un cuarto a la izquierda si la situación del o los que le escuchan está en esa dirección. La posición “Tres Cuartos” ofrece al espectador tres cuartas partes de su frontal y una óptima posibilidad de comunicación expresiva al público y también para establecer diálogo con sus interlocutores en la acción dramática situados a su derecha o izquierda, respectivamente, que estén situados a la misma altura del escenario, con respecto a la embocadura. (Además de posiciones de diálogo directo entre personajes sin que los espectadores pierdan capacidad de captación de emociones o sentimientos, confiere un tono de coloquio más o menos conflictivo, pero no de enfrentamiento).

PERFIL.- Los intérpretes se sitúan de frente hacia el lateral derecho o izquierdo y de completo perfil al público. La comunicación del personaje con el público se debilita, pero gana en intensidad la sensación de enfrentamiento y violencia entre los personajes implicados en la acción. (Enfrentamientos verbales y posibles agresiones físicas o luchas se potencian con posiciones de perfil).

UN CUARTO.- A la inversa de la posición “Tres Cuartos”, El personaje se coloca dando tres cuartos hacia el fondo (Foro) del escenario y “Un Cuarto” hacia la derecha o la izquierda del público. Ofrece escasas posibilidades para comunicar emociones o sentimientos. (Se utiliza para que un personaje muestre no estar de acuerdo con las acciones o tesis de los demás miembros de la escena, mostrar disconformidad, necesidad de reflexionar una respuesta y sobre todo para ocultar al público una acción que causará su efecto dramático posteriormente y de esta forma se justificará, en su momento, ante los espectadores algo que en su momento pasó en la escena y no era conveniente explicitarlo entonces, para no quemar el efecto de suspense en las otras siguientes acciones.

CERRADA.- Durante el tiempo que un personaje permanece de espaldas al público se anulan las posibilidades de comunicación expresiva y emocional con los espectadores. Ocupe el lugar que sea del escenario, la posición cerrada no tiene valor comunicativo personalizado en una composición plástica estática, ni en la dinámica del diseño del movimiento escénico. Cualquier personaje u objeto colocado en esa posición solo puede justificar la necesidad de ocultar emociones, acciones o significados simbólicos de objetos encubiertos, con el único objetivo de adornar, ambientar u ocultar cualquier elemento cuyo juego dramatúrgico se producirá con posterioridad.

La posición “cerrada” es útil para expresar que un personaje muestra su disconformidad anímica con el desarrollo del conflicto, para ocultar las emociones y sentimientos que el personaje está experimentando en ese momento o para no dar pistas de cual va a ser su reacción cuando vuelva a implicarse en la acción con los demás personajes. Por todo ello su duración debe ser la imprescindible y su situación en el espacio escénico no debe “tapar” a ningún otro personaje de la escena.

Fuente: Teatro a mi manera.







miércoles, 10 de febrero de 2010

Las improvisaciones, basadas en los distintos conflictos que el personaje tiene que experimentar en el montaje escénico y las distintas reacciones y comportamientos, que serán los que transmitan al público y la función que debe cumplir en la historia dramatizada:

1º).- El primer paso es realizar un esquema de la partitura de vivencias en las distintas unidades motivacionales en las que el personaje tiene que intervenir y que son básicos para mostrar su dimensión dramática.

2º).- El siguiente paso será crear una pauta para la improvisación de una unidad dramática con similar argumento, pero en la que los intérpretes deberán improvisar diálogos y movimientos, así como la caracterización anatómica y gestual. 

3º).- Deberá repetirse la improvisación de cada pauta hasta que se considere haber conseguido el acercamiento al personaje, tanto física como emocionalmente.

4º).- En cada repetición, de cada pauta, se irán incorporando matices nuevos en la construcción y se comprobará después que mejoran la interpretación. El autoanálisis debe incluir observaciones de las emociones y sentimientos experimentados por el intérprete al vivir de forma improvisada las experiencias del personaje. 

5º).- Una vez asimilados los comportamientos físicos y emocionales del personaje, en cada pauta, habrá que recurrir a un método de fijación eficaz para memorizarlo y para que ofrezca una fórmula rápida que permita su recreación de forma casi instantánea en los diversos momentos del desarrollo de la acción dramática. 

La observación del comportamiento muscular, su memorización y correcciones oportunas permitirán su utilización durante el desarrollo de la representación.


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